alma matinal

El cine hollywoodense y la producción de héroes no fumadores. Vía| El País

Se estrenará la película australiana “Jindabyne” dirigida por Ray Lawrence, y basada en un cuento de Raymond Carver “tanta agua tan cerca de casa”. La misma historia formó parte también del mosaico de Robert Altman hace catorce años atrás con “Shortcuts”.

Para salvar el cine “El Cairo” se manejan distintas propuestas de financiamiento. Vía.

Altamente recomendable la película 16 calles. Me gustó mucho Bruce Willis en su papel de policía borracho, como también disfruté el personaje del verborrágico Eddie Bunker (Mos Def) chistoso y triste al mismo tiempo. Hace rato una película de acción no me mantenía con tanto suspenso.

El tradicional cine “El Cairo” de la ciudad de Rosario -inolvidable por los frutos y palmeras con luces verdes que adornan la sala a sus costados- cerraría sus puertas en el mes de Junio.

Entre los que se oponen al cierre están los bloggers rosarinos quienes invitan a sumarse a la cruzada. Adherimos entonces.

Vía | Sitio Baldío

Mientras por un lado nos grafican cartográficamente el gran negocio de la cultura, quienes son los países reciben más ingreso por propiedad intelectual, señalando a EEUU, Gran Bretaña y Japón los que se quedan con una buena porción de la torta, por el otro lado, aparecen nuevos proyectos, nuevas herramientas tecnológicas que arremeten contra la propiedad privada de los bienes culturales, contra el monopolio cinematográfico, planteando la construcción de un cine social, un cine open source.

Stray cinema, es una herramienta muy simple de utilizar, a partir de la cual te puedes convertir en uno de los creadores de un cortometraje.

Con filmar una secuencia de escenas de 2 minutos, la subes y esperas que los demás usuarios quieran editarlas y que luego los demás usuarios/creadores voten el cortometraje del cual formas parte.

Los películas (de 2 minutos) aprobadas están en el sitio stray cinema previa publicación en youtube.

Vía| despuesdegoogle.com

Entre las redes sociales creadas en torno a la música, la fotografía, los videos, Dovetail.tv es una de las tantas plataformas dedicadas a almacenar videos cortos de autor. Un sitio donde se puede compartir, etiquetar, comentar el material fílmico.

Allí se pueden ver cortos por autor en formato flash, la mayoría en habla inglesa, pero algunos también en castellano.

Otros similares a Dovetail.tv es Liberated films pero enfocado hacia el cine independiente y dividido por género.

Bajo la dirección del vienés Fritz Lang, la película Metrópolis, es la visión futurista de la ciudad en el año 2026, el ejemplo del expresionismo arquitectónico y monumental al cual su realizador adscribió.

Una ciudad dividida en dos grupos antagónicos y complementarios, por un lado los propietarios y “arquitectos” de la ciudad -cuyo cerebro es Johhan ‘Joh’ Fredersen-, viviendo en las superficies, y por el otro los obreros, que viven bajo la ciudad y que trabajan sin cesar para mantener el modo de vida de los de la superficie.

Los obreros viven en un mundo subterráneo donde se encuentra el corazón industrial sin la posibilidad de acceder a la superficie. Incitados por una mujer-robot a rebelarse contra los ideólogos poderosos, amenazan destruir la ciudad. Pero Freder, hijo del cerebro de Metrópolis, con la ayuda de la hermosa María (la santa de los trabajadores, intentarán evitar la destrucción apelando a los sentimientos y al amor. Y finalmente esos dos mundos divididos, el cerebro de la ciudad, y las manos que forjan la misma (los trabajadores), terminarán unidas con la ayuda de un mediador, el corazón de Freder.

Según cuenta Ruben Gubern en “La historia del cine”, en los trabajos cinematográficos de Fritz Lang pone sobrerelieve, de la mano del geometrismo arquitectónico, el discurso biologicista nazi de la superioridad de la raza aria, premonitorio de lo que terminará siendo ese discurso, una verdadera tragedia humana.

En este sentido, “se ha echado la culpa a la guionista Thea von Harbou, esposa de Lang,y luego militante del nazismo, de influir, de la vidriosidad ideológica de las obras de su marido”. Metrópolis es el ejemplo, “la ciudad del mañana en el que la raza de los señores goza de la vida en la superficie mientras los esclavos infrahombres penan en una región subterránea de pesadilla, poblada por máquinas terribles.”

Sin embargo, era contrario a la ideas de nazismo, hasta el punto que cuando recibe la invitación de Goebbels de colaborar con el nazismo, se va a Francia dejándolo todo incluso su esposa que sí estaba a favor del nacionalsocialismo.

En fin.Una película impactante con una producción monumental, con imágenes que expresan tan bien el pánico, la locura, la alienación, la obediencia, la creencia, que nunca mas se borrarán de nuestra memoria.

Es una película que ya hace unos años que es de dominio público, de modo que se puede bajar de la web.

Metrópolis, liberada

Vi 800 balas, la película de Alex de la Iglesia. Me encantó tanto como La Comunidad y El crimen Ferpecto.

Este es un film del 2002 que añora una edad de oro, donde el western hollywoodense era un género de culto, como también los ‘falsos’ hollywood que fueron apareciendo en Europa. En Italia, por ejemplo, tenemos al spaghetti western, un subgénero del western que nació por los años 60 y 70 con Sergio Leone.

En este caso, 800 balas rinde homenaje a toda esa época de esplendor, recordando con ironía aquel mundo de fantasías y de sueños, hoy desmoronado.

Almería es el lugar donde antiguamente se filmaban películas western, y que ahora no era mas que un abandonado y decadente poblado con gente que vive en la marginalidad y en la nostalgia permanente y que organiza pequeños espectáculos patéticos para poder sobrevivir día a día.

El encuentro entre el personaje principal Julián (Sancho García) un especialista en cine western que parece saberselas todas, con el niño Carlos (Luis Castro) que asegura ser su nieto, es el momento en que se desencadena la trama de la película.

De los personajes, creo, que el más divertido y al mismo tiempo el más triste, es el ahorcado (Eduardo Gómez). Es el de la foto, leyendo el diario.

Sinopsis

El domingo vi una película con una historia pequeña pero muy emotiva. El niño, de los directores belgas Jean Pierre y Luc Dardenne. Dos jóvenes marginales -Bruno y Sonia- que acaban de tener un hijo - Jimmy-, y que van subsistiendo día a día de los robos de Bruno, de pequeñas estafas, de subarrendar el departamento. En un momento él intentará dar en adopción a su propio hijo sin el consentimiento de su madre, y desde ahí su vida empezará a declinar de forma vertiginosa, cobrando la historia cada vez más dramatismo.

El eje de la película es la cuestión de la paternidad en situaciones límites en donde lo que está en juego es la ambición por dinero.

En fin, la peli se las recomiendo. Voy ahora seguir ahora más de cerca a sus directores.

Sitio oficial “El niño”

Acabo de ver Mondovino, el documental de la historia del vino, hecho por un director de cine californiano -que adem�s es sommelier-, Jonathan Nossiter.

Los efectos de la globalizaci�n sobre los vi�edos del mundo es uno de los ejes que recorren el film, problema encarnado en la firma Californiana Mondavi.

Ocho pa�ses y tres continentes. De Brasil a Nueva York, de Italia a California, de Burdeos a Australia, de Florencia a Alemania, y llegando incluso a Calafate, Salta. Un recorrido por las grandes empresas familiares, donde los peque�os productores y los grandes asesores de vino a lo largo del mundo como Michel Rolland tambi�n tienen cita en este trabajo.

En 130 minutos, se puede viajar al antiqu�simo mundo del vino y las trasnformaciones sufridas por esta empresa humana, con del avance acelerado de los grandes monopolios sobre el mundo a partir de los a�os 80.

Sitio oficial Mondovino

Anoche vimos Días de Perro, un film de ficción del documentalista austríaco Ulrich Seidl. Son varias historias entrelazadas que transcurre en los suburbios de la ciudad de Viena, de gente que lleva una vida patética atravesada por la soledad, la violencia y la locura.

Una viajera que hace dedo que agrede verbalmente a quienes la levantan; un señor gordo obsesivo que busca reemplazante para su esposa muerta; un solitario vendedor de alarmas a domicilio; un matrimonio que perdió a la hija y vive separados en la misma casa; una mujer solitaria, agredida por un amante; una sufrida showgirl y su novio psicópata.

Los escenarios privilegiados por el director son supermercados, carreteras, autopistas y grandes complejos habitacionales en cuyos patios y balcones reposan los vieneses sobre sus reposeras luciendo su celulitis y adiposidades, bañados en transpiración por el intenso calor del verano.

Es como si el sórdido calor que azota en aquel lugar fuera la metáfora perfecta que utiliza su director para mostrar el deterioro de la vida humana.

El viernes, luego de tomar exámenes, me di una vuelta por el Tita Merello a ver Samoa, una película experimental del argentino Ernesto Baca.

Rodada en Super 8, Samoa es como un viaje perceptivo, donde se combinan rostros, casas, calles, formas geométricas, edificios, luces, imágenes de distintos lugares de nuestro país, con música hindú.

La conversión de su director al hinduísmo, tiene una fuerte influencia en este trabajo. Samoa se abre con una oración tomada de un libro sagrado de la India, una luz que enceguece y la palabra “Om”, la llave con la que el hinduismo busca abrir la puerta de la meditación. Todo lo que transcurre es algo soñado o imaginado por alguien que vemos con los ojos cerrados.

La regla que estructuró su trabajo fue “hacer una película reversible, que se pudiera ver de adelante para atrás o de atrás para adelante y que fuera la misma película”-afirma Baca en una entrevista. Por eso al comienzo la palabra Samoa se escribe al revés, y al final al derecho.

A pesar que no me había predispuesto al shock perceptivo de imágenes, como tampoco venía entrenándome en este tipo de género, disfruté de verla, y creo que el eje que recorrió el trabajo estuvo muy bien logrado.

“Un país sin cine documental es como una familia sin álbum de fotografías. Una memoria vacía” [Patricio Guzmán]

Ayer anduve por el cine “Tita Merello”, fui a ver el documental del chileno Patricio Guzmán “Salvador Allende”, por recomendaciones de amigos que les había gustado mucho.

Hace dos años, me acerqué a la obra de este cineasta en un curso que dictó Andrea Giunta en la escuela de posgrado de la U.N.R. En aquella oportunidad vimos fragmentos de La Batalla de Chile (parte I: La insurrección de la burguesía y Parte II: El poder popular), película filmada en los últimos años del gobierno de Allende entre 1972 y 1973, y suspendida tras el exilio de su director, a raíz del golpe militar del 11 de Septiembre impulsado por el gobierno de Nixon en EEUU. Los metros de película fueron sacados vía embajada de Suecia y compaginada en Cuba los años sucesivos.

En 1995 Guzmán regresa a Chile a buscar a la gente que aparecían en las cintas, a recuperar la memoria de aquella etapa de la historia y trabajar junto a ellos para romper ese gran silencio que envolvía a la sociedad chilena pos Allende.

Ahora bien, mientras La Batalla de Chile, estaba más centrada en el último año de gestión del gobierno de Allende, este último trabajo que vi ayer - filmado entre abril y junio de 2003- focaliza más en la carrera política del médico, su ascenso a la presidencia, las esperanzas y euforia de los chilenos de aquel entonces, y los momentos previos al golpe, es decir, el avasallamiento que va sufriendo su gobierno por parte de las fuerzas norteamericanas, con el fin de desestabilizar el régimen democrático y pacífico del conductor de la unidad popular.
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La semana pasada fui a ver Triple Agente al Cosmos, una película de Eric Rohmer situada en los años 30, en la vida de Fiodor, un joven general del ejército zarista, refugiado en París y su esposa griega Arsinoé, una artista centrada en su pintura.

En medio del caos generalizado de la guerra civil española, la unión soviética y el nacional socialismo, ella entabla amistad con sus vecinos comunistas, mientras él lleva a cabo misiones secretas que confunden a los que le rodean.

Aunque fiodor no intenta ocultar que es espía, encubre para quienes trabaja. Sus jefes ¿son los rusos blancos anticomunistas, los soviéticos, o los nazis?

Y lo único que puede llegar a saberse más allá del misterio, es que a pesar de que ama a su esposa, estará dispuesto a sacrificarla con tal de escapar de un complot.

Lo que más me gustó de esta historia es que al estar anclada en 1936, en la oleada de huelgas que azotaban a Francia, el protagonista en sus diálogos con gente del entorno, dejar entrever las distintas posiciones políticas del momento que debatían si el suyo eran tiempos revolucionarios o si la revolución todavía no estaba a la orden del día. En este debate se enfrentaban los troskistas por un lado, y el Frente Popular por el otro, encabezado por León Blum, que juntaba a comunistas, socialistas y a un sector la burguesía francesa.

La política aparece hasta en las situaciones que se habla de pintura. Cuando Fiodor comenta a los vecinos comunistas el estilo de los cuadros de su esposa, sus retratos de la vida cotidiana, considerandolos más adecuado a los cánones estéticos del socialismo ruso, que a los parámetros del arte francés.

El proyecto de ley de la Senadora chubutense Silvia Giusti , que propone colocar la bandera argentina en las películas nacionales, parece que ha tenido amplia aceptación en el Senado.

Gacetilla de prensa

“espero que pongan la bandera en sus películas pensando con el corazón y no con el bolsillo” Sivia Giusti

En el día de hoy, la Comisión de Educación, Ciencia y Tecnología de la Cámara Alta trató y debatió el Proyecto de la Senadora Giusti para incorporar la bandera argentina en las películas de producción nacional.

Este proyecto, que generó polémica y reproches de parte de un acotado grupo de personas pertenecientes a las producciones independientes, tuvo en cambio un importante apoyo de los Senadores que lo trataron hoy en Comisión.

Como resultado, la Senadora Giusti acepto la propuesta de los legisladores que plantearon incorporar un nuevo incentivo económico para aquellos directores que decidan incorporar la bandera Argentina en sus films de manera optativa, sin afectar a los actuales subsidios. Luego de la reunión, la Senadora chubutense impulsora de este proyecto declaró:

“Me parece una actitud conciliadora la incorporación de nuevos incentivos económicos para apaciguar y conformar a aquellas voces que reprochaban un exceso de patriotismo en mi Proyecto. No estoy disconforme, al contrario, esta propuesta respeta el espíritu de mi proyecto.” “Quiero ver la actitud de todos aquellos que me criticaron negándose a aceptar incentivos económicos porque seguirán considerando que la bandera en las películas es una forma de censura y una coerción a su libertad de creación artística. Quiero ver que en sus films no hay banderas, por decisión de sus directores, por firme convencimiento de que la bandera es una forma de imponer contenidos. Me daría pudor y hasta vergüenza ajena ver flamear nuestra insignia patria en las películas de quienes me criticaron sin razón, por el mero hecho de conseguir un rédito económico.”

Senadora de la Nación Silvia Giusti
Información de Prensa
Teléfonos: (011) 4010-3000 internos 3873 y 3831
Buenos Aires, 5 de Julio de 2006

Nota complementaria: Fascismo cultural

Vía | Diego (colectivo A.P.I.O.)

Ayer fui a ver Paradise Now, la película del director palestino Hany Abu-Assad. La verdad que no sabía bien qué iba a ver, no había leído críticas ni sinopsis alguna, sólo un afiche afuera del cine que tenía una linda fotografía, y aclaraba que era una coproducción de 4 países, y un director cuya nacionalidad ya es un todo un problema. Ni israelí como figura en su pasaporte, ni árabe-israelí como lo llaman los judíos, Hany Abu-Assad se declara palestino.

Sólo esos datos me parecían motivos suficientes para entrar a ver de qué se trataba.

Conclusión. Una película para nada desperdiciable. Varias cosas me gustaron. En primer lugar, el tema que aborda, el histórico conflicto entre palestinos e israelíes, recreada en este caso a partir de las vidas de los palestinos suicidas.

Por otro lado, su director tiene una clara posición política respecto al tema de la ocupación. Es dura su crítica al Estado de Israel, sin embargo, no intenta justificar los ataques suicidas. En todo caso - como lo aclara en una entrevista-, su interés era hacer visibles las historias de esas personas invisibles, saber qué piensan, qué motores lo llevan a actuar.

Y por último, también impresionante la fotografía, que muy bien combinó la crudeza de esas historias con la belleza de su paisaje.
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